묵과 색, 12인 팔레트 이야기 지금 뜨는 이유

입구를 지나자마자 공기가 달랐습니다. 첫 벽면에서 묵과 색이 동시에 눈을 붙잡아요. 먹의 잔잔한 번짐 옆에 기름진 물감의 층이 붙어 있는데, 두 재료가 서로를 밀어내지 않고 공간을 나눠 갖는 느낌이었어요. 일부 작품은 여백을 넓게 두고, 번진 묵을 바탕처럼 깔아 색의 통로를 열어 두었습니다. 반대로 색을 두껍게 올리고 그 위에 묵으로 선을 얹은 그림도 있었고요. 가까이에서 보면 먹의 물결이 종이 섬유 속으로 스며든 결이 보이고, 한 발 물러서면 채도의 리듬이 먼저 다가옵니다. 현장에서 가장 체감된 특징은 두 가지예요. 첫째, 빛이 달리 반응합니다. 먹은 빛을 머금고, 색은 튕겨내요. 둘째, 시선의 속도가 조절됩니다. 묵 구간에서는 호흡이 느려지고, 색 구간에서는 박자가 빨라집니다.

12인의 팔레트가 만든 조화, 동서와 전통·현대의 교차점

전시는 대백프라자갤러리 B관에서 12월 16일부터 21일까지 열린 그룹전으로, 동양화와 서양화 작가 12명이 약 40점의 회화로 한 공간을 채웠습니다. 규모가 크진 않지만 동선이 알차고, 각 벽면의 온도가 달라서 한 바퀴 돌아도 지루하지 않아요. 묵과 색을 테마로 하다 보니 매체도 섞여 있습니다. 한쪽에서는 한국화의 선묘와 여백이 중심이고, 다른 쪽에서는 유화의 두께와 아크릴의 투명도가 전면으로 나오죠. 눈에 들어온 건 구상과 비구상이 자연스럽게 뒤엉켜 있다는 점이었어요. 어떤 작품은 숲의 실루엣을 묵으로만 밀어붙이고, 그 틈을 색이 채우며 생기를 얹어요. 또 어떤 작품은 인물의 기척을 색으로만 남기고, 묵으로 시간의 그림자를 덧그립니다. 전통과 현대가 부딪히지 않고 어깨를 맞대는 장면이 반복돼서, 제목 그대로 12인 팔레트라는 말이 왜 필요한지 느껴졌습니다.

디자인 디테일과 관람 팁, 그리고 아쉬웠던 점

현장에서 반가웠던 건 작품 캡션과 조명이었습니다. 캡션에 재료 표기가 정확해요. 종이와 캔버스, 먹과 유채, 아크릴과 혼합재 등 사용된 매체가 분명히 적혀 있어 비교 관람이 쉬웠습니다. 조명은 반사 광을 최소화해 묵의 무광 결과 색의 광택을 함께 살려줍니다. 동선은 시계 방향으로 돌면 ‘여백 중심’에서 ‘밀도 중심’으로 점점 강도가 올라가요. 개인적으로 마음에 든 사용 경험은 세 가지였습니다. 첫째, 사진 촬영 가능한 구간이 있어 색의 레이어를 확대해 기록하기 좋았고, 둘째, 벤치가 중간마다 배치돼 작품과 거리를 바꿔가며 볼 수 있었고, 셋째, 마지막 벽면에서 작은 사이즈 작품을 여러 점 띄워 팔레트의 변주를 한 번에 비교할 수 있었습니다. 다만 주의할 점도 있어요. 먹 번짐은 가까이서 봐야 질감이 살아서, 관람객이 몰릴 시간대에는 디테일을 놓치기 쉽습니다. 가능하면 오픈 직후나 마감 1시간 전에 가는 걸 추천합니다. 또 일부 작품은 유광 바니시가 강해서 측면에서 보면 반사가 생깁니다. 정면 거리 2~3m를 유지하면 가장 편하게 보였어요.

돌아오는 길에 문득 생각이 들었습니다. 묵과 색이 서로 다른 길을 가는 게 아니라, 같은 길에서 속도를 바꿔주는 짝꿍 같다고요. 써보니, 제 스케치북에서도 먹으로 틀을 세우고 색으로 숨을 넣어보고 싶다는 마음이 슬그머니 올라옵니다. 개인적으로는 이 전시를 본 뒤로 화면을 채우는 방식이 조금 달라졌습니다. 여백을 남기는 게 두렵지 않고, 색을 올릴 때도 힘을 덜 쓰게 되네요. 이런 변화가 오래 갔으면 좋겠습니다.